[TERMINÉ] FIAC Hors les murs 2013

Œuvre de William Turnbull, 1990. Bronze, numéroté 4/5 (édition de 5 exemplaires plus une épreuve d’artiste), 292 x 353 x 138,4 cm, présentée par Waddington Custot Galleries, London

Né en 1922 à Dundee (Écosse), William Turnbull est mort à Londres en 2012. Large Horse (1990), atteignant près de trois mètres, est l’une des plus imposantes sculptures de la série des Horse de William Turnbull. Le thème du cheval apparait dès 1946 et restera un sujet récurrent dans l’œuvre sculpturale de l’artiste. Turnbull maîtrisait et faisait revivre les traditions anciennes de la statuaire classique et c’est ainsi que cette série s’inspire d’une œuvre qu’il connait bien, la tête de cheval en marbre du Parthénon du British Museum à Londres.

Néanmoins, il choisit d’épurer ce sujet et de réduire la tête de l’animal à l’essentiel. Cette économie de formes et de lignes révèle ainsi l’intérêt de Turnbull pour les objets totémiques et les rituels d’anciennes civilisations non occidentales. Avec la tête représentant l’ensemble du corps, Large Horse fait allusion à un masque africain avec ses immenses yeux évidés, ses naseaux définis par des traits verticaux et son cou arqué prenant la forme de traditionnelles herminettes (sortes de haches à lame perpendiculaire au manche).

Œuvre de Stéphane Vigny, 2011. Tôle ondulée, 800 x 750 x 130 cm, présentée par la Galerie Claudine Papillon, Paris

Stéphane Vigny est né en 1977. Il vit et travaille à Paris. À la manière d’un ensemblier, il recourt volontiers à une matière préformée pour la constitution de ses œuvres. Si l’identité des objets saisis reste reconnaissable, l’échelle, le matériau, ou la fonction s’en trouvent généralement altérés avec un humour consommé et une grande élégance formelle. La matière de son travail est principalement extraite d’un contexte rural, pour être ensuite déplacée dans des milieux différents, contrariant par ces déplacements souvent ludiques, l’utilitarisme associé à la ruralité. Château de tôle est une construction surdimensionnée d’un jeu de patience connu de tous : le château de cartes. La tôle ondulée en métal corrodé provenant d’infrastructures agricoles rompt avec la nature « précaire et instable » du château de cartes, mais conserve l’image du fragile équilibre que recherchent ceux qui s’adonnent à ce jeu.

Œuvre de Gilles Barbier, 2013. Résine, peinture à l’huile, plantes en plastique, éléments divers 140 x 155 x 140 cm, présentée par Georges Philippe & Nathalie Vallois, Paris

Gilles Barbier est né en 1965 au Vanuatu (Pacifique Sud), il vit et travaille à Marseille. Gilles Barbier pratique un certain rituel de l’empreinte de sa propre forme plastique depuis de nombreuses années. C’est une performance physique, mais qui s’effectue dans le retrait, l’immobilité et la concentration. Ce temps long est littéralement présent dans la série des Still People et notamment chez le Man Still où le corps masculin se présente dans une position assise, méditative, étrangement envahi par une végétation luxuriante. Une sculpture « romantique » que l’on interprétera à souhait, selon sa dimension autobiographique d’hommage à la pratique elle-même, sa dimension métaphorique d’un homme comme retiré de son époque, ou encore symbolique : celle d’un être réconcilié qui laisserait pousser sur lui-même l’anarchie de ce qu’il a domestiqué et asservi depuis plusieurs siècles. (Gaël Charbaud).

Œuvre de Pablo Reinoso, 2012. Acier Peint, 100 x 610 cm, présentée par la Galerie Xippas, Paris

Pablo Reinoso est né en 1955 à Buenos Aires (Argentine). Il vit et travaille à Paris depuis 1979. Vice Versa réinvente l’idée du confident qui offre une assise en face à face pour deux personnes. Ici, l’artiste invite à une conversation de groupe à groupe renouvelant ainsi le caractère d’intimité attaché à ce genre de mobilier. C’est l’inattendu du lourd, voué à structurer l’architecture, qui se tord comme un fil pour créer un banc, une assise. L’acier dessine alors des espaces légers, transparents, contemplatifs. Cette œuvre aux multiples volutes, évocation du monde végétal et de sa croissance, offre au promeneur une halte propice à la contemplation au cœur de l’un des plus beaux jardins de Paris.

Œuvre de Richard Jackson, 2011. Fibre de verre peinte, acier, acier inoxydable, moteur 396 x 245 x 183 cm, présentée par Georges Philippe & Nathalie Vallois, Paris

Richard Jackson est né en 1939 à Sacramento, il vit et travaille à Los Angeles. Little Girl and Upside Down Unicorn est une sculpture monumentale représentant une licorne en équilibre sur sa corne, entourée des bras d’une étrange petite fille ressemblant à une poupée et sculptée à échelle réelle. Cette œuvre, comme beaucoup des sculptures créées par l’artiste au cours de sa carrière, peut être « activée » avec de la peinture, pompée dans les parties génitales de l’animal puis pulvérisée, aspergeant l’œuvre et son environnement. En 2013, une grande rétrospective du travail de Richard Jackson eu lieu à l’Orange County Museum of Art, Newport Beach, Californie, en itinérance à la Villa Stück de Munich et au S.M.A.K. de Gand.

Œuvre de Barry Flanagan, 1996. Bronze, épreuve d’artiste numéroté 2/2 (édition de 5 exemplaires plus 2 éditions d’artiste). 518 x 188 x 262 cm, presentée par Waddington Custot Galleries, London

Né en 1941 à Prestatyn (Nord du Pays de Galles), Barry Flanagan est mort à Ibiza (Espagne) en 2009. Les « lièvres » de bronze de Barry Flanagan sont exposés pour la première fois au début des années quatre-vingt. C’est en 1982, que le souvenir d’un lièvre bondissant dans la neige des basses terres du Sussex, lui inspire l’idée de cette série de sculptures. L’artiste découvre qu’il peut amplifier l’expressivité et l’émotion de ses lièvres en leur revêtant des attributs humains. Une de ses premières interprétations, le « Nijinski Hare », révèle l’influence de Rodin sur l’œuvre de Flanagan, et tout particulièrement la sculpture du fameux danseur de ballet russe, Nijinski (1912), fort connu pour son habileté à danser sur pointe et pour ses sauts athlétiques. Flanagan réussit à transposer la posture de cette figurine en tension sur Nijinski Hare dont les membres repliés semblent prêts à relâcher une énergie extraordinaire. Déclinée sous différentes tailles et versions, cette sculpture est devenue l’une des représentations les plus importantes et les plus revisitées dans l’œuvre de Barry Flanagan. Ninjinski Hare (1996), d’une hauteur dépassant les cinq mètres, est la sculpture la plus imposante de cette série.

Œuvre de Philippe Droguet, 2008-2009. Arbres, cure-dents, 220 x 180 x 110 cm, présentée par la Galerie Pietro Sparta, Chagny

Philippe Droguet est né en 1967 à Roussillon, Isère. Il vit et travaille à Feillens (Ain, France). L’œuvre oscille en permanence entre la séduction et le tragique, un voile ténu les séparant, ce que l’artiste appelle le « tégument », c’est-à-dire la membrane, la peau, la surface, ce qui enveloppe et protège, ce qui couvre et dissimule, ce qui attire et leurre, ce qui s’affiche et simultanément soustrait au regard. L’œuvre de Philippe Droguet tourne autour de cette certitude qu’il y a, par-delà l’apparence, une autre réalité qui ne demande qu’à être dévoilée pour peu qu’on interroge l’au-delà de la surface. Cette conviction forte concerne aussi bien ce que les sociétés font de l’apparence et de la chair des corps que chaque conscience intime à habiter une enveloppe qui ne peut être quittée.

Œuvre de Philippe Droguet, 2003/2012. Branche, crâne de renard, cure-dents, Plâtre, métal et marbre noir 180 x 170 x 60 cm, présentée par la Galerie Pietro Sparta, Chagny

Philippe Droguet est né en 1967 à Roussillon, Isère. Il vit et travaille à Feillens (Ain, France). L’œuvre oscille en permanence entre la séduction et le tragique, un voile ténu les séparant, ce que l’artiste appelle le « tégument », c’est-à-dire la membrane, la peau, la surface, ce qui enveloppe et protège, ce qui couvre et dissimule, ce qui attire et leurre, ce qui s’affiche et simultanément soustrait au regard. L’œuvre de Philippe Droguet tourne autour de cette certitude qu’il y a, par-delà l’apparence, une autre réalité qui ne demande qu’à être dévoilée pour peu qu’on interroge l’au delà de la surface. Cette conviction forte concerne aussi bien ce que les sociétés font de l’apparence et de la chair des corps que chaque conscience intime à habiter une enveloppe qui ne peut être quittée.

Œuvre de Cledat & Petitpierre, 2013. Résine, polystyrène, bois, PVC, métal, laque automobile, tissus, tulle 238 x 110 x 1300 cm, prod. Biennale d’Anglet / Coll. privée Présentée par ACDC, Bordeaux

Coco Petitpierre et Yvan Clédat sont nés en 1966, ils vivent et travaillent à Drancy. Dans un aller-retour permanent entre sculpture et performance, les travaux récents de Clédat & Petitpierre prennent des formes singulières. Leurs « sculptures à activer » oscillent ainsi entre deux temporalités : celle « durable » de l’exposition et celle de l’événement performatif, où les corps des deux artistes sont souvent mis en jeu dans une représentation de la figure, du couple et de son territoire. Conçue sur le mode du défilé de carnaval, La Parade Moderne est une œuvre sculpturale et déambulatoire, constituée de 10 figures, librement puisées dans les œuvres peintes de grands artistes de la première moitié du XX^e siècle : Magritte, Ernst, De Chirico, Léger, Munch, Arp, Brauner, Malévitch... Projetées dans l’espace tridimensionnel, transmutées en sculptures portées et animées, ces figures prennent vie sous la forme d’un défilé, comme un étrange cours d’histoire de l’art en plein air.

Tête, œuvre de Philippe Droguet, 2011. Coquillage surmodelé, cornes, siliconne, vis 32 x 63 x 24 cm et Sirènes, œuvre de Philippe Droguet, 2006. Coquillages, siliconne, semences de tapissier 20 x 22 x 21 cm et 11 x 13 x 10 cm, présentées par la Galerie Pietro Sparta, Chagny.

Philippe Droguet est né en 1967 à Roussillon, Isère. Il vit et travaille à Feillens (Ain, France). L’œuvre oscille en permanence entre la séduction et le tragique, un voile ténu les séparant, ce que l’artiste appelle le « tégument », c’est-à-dire la membrane, la peau, la surface, ce qui enveloppe et protège, ce qui couvre et dissimule, ce qui attire et leurre, ce qui s’affiche et simultanément soustrait au regard. L’œuvre de Philippe Droguet tourne autour de cette certitude qu’il y a, par-delà l’apparence, une autre réalité qui ne demande qu’à être dévoilée pour peu qu’on interroge l’au-delà de la surface. Cette conviction forte concerne aussi bien ce que les sociétés font de l’apparence et de la chair des corps que chaque conscience intime à habiter une enveloppe qui ne peut être quittée.

Œuvre de Julien salaud, 2013. Taxidermie de cerf élaphe, fil de nylon, perles de rocailles, clou, bois Dimensions variables, présentée par la Galerie Suzanne Tarasieve, Paris

Julien Salaud est né en 1977, il vit et travaille à Orléans. Julien Salaud interroge par sa pratique les liens, les forces et la symbolique qui unissent l’homme à la nature. Il s’intéresse autant à la survie des espèces animales et végétales en voie de disparition qu’à la fabrication de créatures célestes, chimères et hybrides. Il compose ainsi un bestiaire magique - qui nous permet de faire face à un retour du règne animal, puissant et mystérieux. Dans sa dernière installation Printemps (nymphe de cerf), Julien Salaud opère une métamorphose de la Constellation du Cerf, une œuvre présentée à la Fondation Ricard, à la Chapelle des Calvairiennes et enfin au Château de Chambord. La Constellation du cerf se mue en chrysalide, étape nécessaire à la nymphose. L’animal est couvert de perles créant une véritable armure solide et lisse. Les bois du cerf se propagent, les branches rayonnent en fil de perles comme si l’artiste préparait le passage de l’état animal à celui de végétal.